VER, OÍR, Y...

...disfrutarlo. Página sobre cine (s), música (s), y alguna insignificancia más.
          


Stabat mater mientras duermes

                   Pergolessi y yo esperamos
que te levantes esta mañana tibia,
inventada de torpes primaveras,
cuánto anhelo de labios
enmascara esa música doliente…,


duermes en el silencio gris, a nueve metros
del cuarto donde escucho
a esa madre rasgada, que aún esboza
milagros al alba incierta, ella y yo
siempre esperando
resucitar un rostro del olvido. 


(Fragmento en la versión de Emma Kirkby y James Bowman)

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    Las posibles (o no) vidas de Mr. Nobody  


        Mientras uno no elige, todo sigue siendo posible. ¿Qué hubiera pasado si...? En su viaje de vuelta, como último humano destinado a morir, Nobody decide no elegir y vivir intensamente la experiencia que cada camino a escoger le haya deparado, bien porque lo haya escogido reflexivamente, bien porque una hoja posada en el suelo o una gota de lluvia, lo hayan determinado.

          El humo sale del cigarrillo de papá, pero nunca vuelve a entrar. Ejemplar modo de narrar una vida que son muchas, como todas las nuestras, que podrían haber sido otras diferentes. En Las posibles vidas de Mr Nobody, Van Dormael subvierte el escrito sentido de las cosas, y nos coloca delante de un espejo infinito, donde aparecen todos nuestros yos, los que somos, y los que podríamos haber sido.
                             
             
          Etiquetas: Ciencia-ficción, peli de culto, guión original, barroquismo visual... Desetiquetado, simplemente cine. Así no tenemos que elegir, y -por consiguiente- todo, todo, sigue siendo posible.



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Si lo hacemos a través de diciembre

            Merle Haggard quedó huérfano de padre a los nueve años. Tuvo una infancia conflictiva, con amenas estancias gratuitas en diversos reformatorios. Trabajó en lo que pilló y estuvo en prisión por robo, aunque algunos opinan que su peor delito fue que Nixon lo nombrara como su cantante favorito. Pobre Merle, hay vidas en las que todo sale al revés.
         Uno de los top de la música country, a quien traigo aquí en estas emotivas fechas (si alguien todavía no se ha enterado de qué hablo, que mire los archivos y enlaces de su correo electrónico) no por su azarosa vida, sino por ser autor de la que pasa por ser quiza una de las mejores canciones de motivo navideño. Se trata de If we make it through december, de la que cuelgo una versión.

          Pues eso, a hacerlo, sea lo que sea, que ya queda poco diciembre. Poco de este jodío 2012. Me voy, aún tengo que comprar las uvas, quizá ya sean pasas. Gracias por estar ahí, os dejo con Haggard.
https://www.youtube.com/watch?v=Z-IJxTd8dCo

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Otro cuento de navidad (diferente)

            También, por supuesto, se infiltra la navidad en el cine, ¿dónde no? Seguro que nos vienen a la memoria un montón de películas -de romanos, claro- con las que nos dormían en nuestra infancia. Luego vinieron Míster Capra y sus apóstoles, Chencho perdido en la Plaza Mayor, Santa Claus en su reno-taxi... Afortunadamente, Berlanga sacó a Plácido de su sarcástica chistera. Bueno, navidad de celuloide para dar y tomar.



Para variar, escojo un cuento de navidad diferente. Un cuento de navidad (vale que el título no es para devanarse la sesera) del franchute Arnaud Desplechin (touché, parezco comisionista del cine francés). Fuera del título, y del planteamiento genérico (cena familiar con cuñados y primos) nada es convencional. Todo un menú de rencores, deudas impagadas y puñaladas on the rocks, salpicado por el villancico de la enfermedad, y la muerte.


Y aún así, todo resulta posible, incluso una puerta abierta a los sentimientos que circulan bajo las cañerías de la indiferencia. Navidad, haz y envés, en un cuento peculiar. La mesa está puesta.

     
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El Mesías de Mozart. ¿Quién soportará el día...?

                De este navidad no pasa, le pongo los cuernos a Haendel. Hoy voy a escuchar El Mesías de... Mozart. Va siendo hora de coquetear con este arreglo que, por encargo, compusiera el salzburgués en 1789, medio siglo después del estreno del oratorio por parte del angloalemán.


Queden para eruditos y musicólogos las diferencias entre ambas versiones, aunque es de suponer que el mérito de la genialidad siempre corresponderá al creador inicial. Pero si yo hubiese sido Haendel, se me habría erizado la peluca de gusto al ser versionado por un treintañero del talento de Mozart. Y viceversa.



Para el resto de los mortales, nos vale disfrutar ambos oratorios, y dejo como muestra el aria But who may abide the day of his coming (¿Quién soportará el día de su llegada?) que, en la versión de Wolfie, adaptó al bajo (enlace 2), en lugar de la mezzo haendeliana (enlace 1). Vamos a llevarnos bien, que es Navidad, y no polemizar entre lo bueno y lo mejor. Escuchemos ambas y, dentro de lo posible, que soportemos bien el día de su llegada. Feliz nochebuena.
https://www.youtube.com/watch?v=AGPXqoLcsAE
https://www.youtube.com/watch?v=qAv22FThqGM  
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ELISEO PARRA, quitar pesares

Tras cuarenta años de trabajar la música en diversos registros (rock, jazz, salsa, canción de autor...) me interesa su vertiente destinada a quitar pesares y contentar al que escucha.
Son palabras de Eliseo Parra, folclorista vallisoletano trasplantado inicialmente a Cataluña y asentado después en Madrid. Transeúnte de casi todas las formas musicales, es quizá hoy el más genuino representante de la música de raíz, adobada, eso sí, con variadas dosis de mestizaje.
Ejemplo de folk renovado y no por ellos menos auténtico, Eliseo considera la música como lo que se supone que es, una terapia. Una herramienta para averiguar de donde venimos (mejor no intentar averigüar donde vamos) para conocernos mejor. La música, especialmente la de Eliseo, una forma, la más alegre, la más digna, de quitar pesares. Os dejo una muestra.
http://www.youtube.com/watch?v=B4r2tassUVw

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2046, billete de ida, y acaso vuelta

 Todos cuantos subían al tren con destino 2046 lo hacían con el mismo objetivo, recuperar la memoria perdida. Se decía que allí nada cambiaba. Nadie sabía realmente si era cierto, ninguno de los que viajaron regresó jamás. Excepto él.



Así comienza ,y termina, 2046. Entre paréntesis dos horas de imágenes compuestas con un audaz ritmo poético, dos horas de luces y sombras, de colores como versos sueltos. Dos horas alrededor de esos seres que merodean por los arrabales del amor. Wong Kar-Wai, el mismo de In the mood for love, nos vuelve a sumergir en su experimental de-cadencia visual. La iluminación y la música son de por si un prodigio buscando su hueco en el descarnado marco donde sobreviven los personajes.

Personajes subidos a ese tren de ausencias que lleva a 2046, ese lugar donde nada cambia. Ese lugar donde todos -en algún momento de nuestras vidas- hemos deseado llegar, sin tener claro si queríamos billete de ida y vuelta. Imprescindible como poesía dentro del cine, o como cine, simplemente.
http://www.youtube.com/watch?v=oH-lJhchz7o
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 Ya no hay que matar a B.

 Todavía vivía aquel general apellidado Franco cuando a algunos barbudos con pantalón de pana nos dió por acudir a ver una película de un director casi desconocido, un tal Jose Luis Borau. La peli en cuestión se llamaba Hay que matar a B., y suponía un cambio de tendencia en el cine español, en línea con el que ya presagiaba la trinidad cinéfila compuesta por Erice, Saura y Querejeta.


Hay que matar a B. pasó (injustamente, habría que decir) con más pena que gloria, y aún hoy, en las necrológicas del director multifuncional (fallecido este mismo fin de semana, como Tony Leblanc) apenas se recuerda este ejercicio de extraordinaria expresión cinematográfica. No se la encuentra en las páginas de descargas al uso, y solo se puede visionar en una copia de Youtube.

Un año después, Borau llegaría al gran público con Furtivos. Y vendrían más. Pero no dejó por eso de ser el tipo culto y entrañable que sucedió sin estrépito a Fernan Gómez en la RAE, que ocupó puestos de relevancia en el mundo artístico por votación de sus colegas, que supo escribir cuentos largos en la época de los microrrelatos.

Hoy, aquel B. está ya muerto. Este otro B., también. De cáncer de garganta. Su obra, y su compromiso, permanecerán. Os cuelgo en enlace a la película.

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Browning en tres dimensiones

Base: Robert Browning, poeta inglés del XIX, pionero del monólogo dramático y todo un hacha trabajando la prosa poética. Fue referente literario de Eliot y Pound. Curioso fue su matrimonio con la también poeta Elizabeth Barrett, tras un apasionante noviazgo epistolar sin conocerse en persona. El angelito fue capaz de hacer un poema (El anillo y el libro) en 12 tomos y más de veinte mil líneas que, al menos, le aseguró fama y fortuna.



Altura: La que imprimió a su obra y a su vida la biografía que un imberbe Chesterton le dedicó, comentiendo la alevosía de mostrarle -en contra de su aura de audaz romanticismo- como un individuo normal y apacible. Con ello, el biógrafo pretendía avalar sus teorías sobre el binomio escritor-escritura, y por supuesto, crear polémica.




Profundidad: Toda la que alcanza La versión Browning, película de Anthony Asquith, donde una traducción del Agamenón efectuada por el poeta inglés, da pie a una impresionante muestra de cine británico. En el marco de un selecto colegio, relaciones humanas, educación, matrimonio, convenciones sociales y emociones (o su ausencia) combinan un cóctel cinematográfico de una enorme, aunque contenida, intensidad. Todo un clásico del cine, absolutamente recomendable.
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Si piangete pupille dolente, proibito per Clemente

       Clemente XI, elegido Papa a los dos meses de ser ordenado sacerdote, podría pasar a la historia como azote de jansenistas, censor del acercamiento cristiano a los cultos orientales, o mosca cojonera para jesuitas y otras órdenes del catolicismo dieciochesco.



Aquí le traigo por su divina ocurrencia de prohibir la ópera. Hay gente, incluso papas, para todo. Afortunadamente, algunos de sus cardenales burlaron la prohibición disfrazando las piezas operísticas de oratorios, camuflando bajo una presunta temática religiosa, joyas como las que recopiló en 2005 la mezzo Cecilia Bartoli en su selección titulada Opera proibita.

Os dejo con los doloridos llantos de los discípulos en este aria del Oratorio de Santa Francesca Romana, del genial Caldara. Se recomienda volumen alto. Contraindicado para hipertensos emocionales. Administrar en tantas dosis como se sea capaz de gozar.

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De casi todo han pasado veinte años...

...menos del nacimiento de Gil de Biedma, acaecido exactamente hace hoy 83. La frase que , coloquialmente, le atribuían sus últimos amigos al poeta, deja al descubierto ese vaho nihilista que difumisu última época. También de nosotros mismos han pasado veinte años.
Viajero esquizoide a ambos lados del espejo, se dividió entre la Barcelona populosa y la rural Nava de la Asunción, entre el empresariado tabaquero (Aute suele contar que el padre del poeta despidió al del cantautor, asalariado en Tabacos de Filipinas) y la poesía social militante, entre los férreos moldes burgueses y el ansia de libertad sexual y vital. Un mínimo lapso temporal, el correspondiente a una ducha urgente, le transportaba en segundos de las madrugadas de Chinchón dulce al despacho y la corbata. Dos vidas, o más, en una, o menos.
Envejecer, morir, resultó ser el único argumento de la obra. También comenzar la semana, por ejemplo, un lunes, como el de este poema, tan evocador de esa dualidad laboral y existencial.
Pero después de todo, no sabemos
si las cosas no son mejor así,
escasas a propósito... Quizá,
quizá tienen razón los días laborables.

Tú y yo en este lugar , en esta zona
de luz apenas, entre la oficina
y la noche que viene, no sabemos.
O quizá, simplemente, estamos fatigados.


Os dejo, por si acaso, un documental de la serie Imprescindibles, de la 2, que nos acerca a los testimonios e imágenes que merodearon a su alrededor. Da igual que ya hayan pasado veinte años.


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Kaspar Hauser, el enigma de todos nosotros

                 Werner Herzog vio por primera vez un coche a los once años, y su primera conversación telefónica se retrasó hasta los diecisiete. Casi al tiempo, se le inoculó el virus del cine, quizá movido por su amistad temprana con el también peculiar Klaus Kinski.



             Los no menos peculiares progres de los 70, tras empacharnos de nouvelle vague y de esteticismo italiano, aterrizamos en el nuevo cine alemán, con el Fassbinder y el Wenders a la cabeza. Y allí nos encontramos con este extraño bávaro y su demencial (o no) Aguirre. Con su autista (o no) Kaspar Hauser.


              Aparto la cólera de Dios, y me recreo en el enigma del niño encerrado en un sótano hasta su juventud. Bajo el expresionismo formal, se azota todo el comportamiento de la sociedad burguesa, racional y cuerda, desmoronada ante la grandiosa simplicidad del insociable muchacho. Al final, el enigma de Kaspar Hauser es el enigma de los demás, de nosotros los "normales" espectadores del circo, el perfecto acta notarial de nuestras miserias.
         ¿No oís esos espantosos gritos a vuestro alrededor, que comúnmente llaman silencio?...

                    Luego, iluminados, los progres de los 70 debatíamos en tortuosos cinefórum. Y decíamos que el raro era Kaspar.
https://www.youtube.com/watch?v=KO7NuRVGwUI
http://www.biosstars-mx.com/w/werner-herzog/biografia.html
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ALISON KRAUSS, sobre la hierba azul

Esta ilinoisiana, virtuosa violinista a los cinco años y poseedora de una timbrada voz de soprano, es el exponente visible del bluegrass, una peculiar variante del country adobada en pizcas de blues y jazz, pero con ese indefinible aroma a humo de hoguera y a primer amor patinando por todas sus músicas y letras.
Exportadora al mundo de esa hierba azul, que se escarcha en las praderas del Medio Oeste americano, Alison Krauss se apoya desde hace más de veinte años en la banda Union Station, coleccionando Grammys (cerca de 30) y seguidores por todo el planeta.
Lo dices mejor cuando no dices nada en absoluto, estribillo de su más popular tema, When you say nothing at all, que os cuelgo a continuación. Versión bluegrass, acaso, del famoso Poema 15 de Neruda. Y la voz de Alison, sobre la hierba azul.
https://www.youtube.com/watch?v=_bNfay6HiUo
http://alisonkrauss.com/


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Escenas de lavandería


                                                                         A Rafa Caunedo, por la idea




En una peli de Loach,

-diría que Riff Raff- vi aquella escena

donde caen las cenizas de un cadáver

sobre los trajes de sus familiares…

Se oyó reir a algún espectador

en las butacas pares, aliviando

los gestos de abandono en la pantalla.

Cuando salí a la calle, yo pensaba

en la reciente muerte de mi madre,

en cuánto costaría

limpiar una chaqueta en aquel barrio

cerca de Liverpool,

y ya puestos,

si tendría descuento

llevar mi vida a la lavandería.
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Voces distantes, no distintas

            En esta casi primeriza peli de Terence Davies, todo son voces. Las de los protagonistas, en un mosaico de gestos desnudando su miseria, las de la propia cámara, ahondando en los sentimientos sin un orden lineal, la del relato de una época con palabras impostadas... Voces acaso distantes en una propuesta estética arriesgada y emotiva.




           Voces, las que salpican todo el filme, en una grandiosa banda sonora que recorre todos los caminos de la música tradicional, contemporánea o medieval. Voces y ritmos para una época de silencios. Voces que pueden significarse distantes, pero que no resultan distintas a las de cualquiera de nosotros. A nuestras voces, a veces cantarinas y a veces quebradas. Voces distantes, hay que verla. Y por supuesto, oírla.
http://elgabinetedeldoctormabuse.wordpress.com/2012/02/27/voces-distantes-distant-voices-still-lives-1988-de-terence-davies/
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Omnes de Saba venient

             Joseph Leopold von Eybler sufrió un derrame cerebral mientras dirigía el Réquiem de su gran amigo Mozart. Precisamente fue Eybler a quien Constanze, la viuda del genio, había encargado en primer lugar -sin éxito- la conclusión del réquiem tras la muerte del salzburgués.



       Por curiosidades así, y por la también relación familiar y amistosa que lo unió con su mecenas Haydn, se conoce a este compositor austríaco, especializado en música sacra, y del que se suele recordar habitualmente este Omnes de Saba venient, un gradual magistralmente interpretado, en la versión que cuelgo, por The North Carolina Boys Choir.

Para maravillas como ésta, sí, todos venimos de Saba. Aunque sea en autobús.
http://www.youtube.com/watch?v=I3_RFxP1y0E                  ______________________



Junebug, el cerco de las humedades

Película indie al gusto, con sus hallazgos y sus debilidades marca indie. Podría ser más de lo mismo. Estética deshilachada, guión previsible, montaje de andar por casa. Podría ser más de lo mismo. Choque de culturas en una América del Norte desnortada. Familia en descomposición que trata de tapar las diarias humedades con un encalado de droguería. Miserias en bolsa de papel estraza.

Podría ser más de lo mismo, pero no lo es. Como no son iguales ninguno de los cercos que quedan en las vidas -las suyas, las nuestras- cuando, tras aflorar la humedad y el desencanto, nos lanzamos inconscientemente a enjalbegarlas. Junebug.
http://www.youtube.com/watch?v=DoWRZ9UJXzY

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Purcell, barroco y rockero

          Poco importa si la fecha de nacimiento de Henry Purcell, el mayor compositor inglés de todos los tiempos, fue, como ayer, un 10 de septiembre.

        Poco importa si la causa de su muerte, unos 35 o 36 añitos después, fue una pulmonía que lo asaltó tras cerrarle su esposa la puerta de casa, al retorno de una borrachera.

Importa lo que fue capaz de crear entre ambas fechas. Por ejemplo, este Passacaglia del King Arthur, en la versión del English Concert and Choir, con Trevor Pinnock al frente:
http://www.youtube.com/watch?v=i0xFy-6prV0

          E importa, como ocurre con Bach y otros genios barrocos, su influencia notoria en buena parte de los grandes del rock. Algunos detalles:
http://www.jotdown.es/2011/05/henry-purcell-a-clockwork-baroque/
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The killing fields, todos asesinos

            Título de la película traducido: Los gritos del silencio. Dos horas largas de muerte ambientada en el horror de la Camboya postvietnamita. La muerte entre ciénagas, suburbios y arrozales, por supuesto, basada en hechos reales. La muerte sin apellidos, eso sí es un hecho real. No es posible distinguir, no soy capaz, entre guadañas, da igual un kalashnikov en manos de un jemer rojo de 15 años, o un misil del tío Sam. Mi abuela refranera citaría el viaje de Málaga a Malagón, el remedio peor que la enfermedad. Matamos escudados en ideológías, estrategias geopolíticas o religiones. Se mataba en Kampuchea por saber leer o llevar gafas, se mata en los despachos de Occidente en nombre de la democracia. Se mata. Pol Pot también está en cada uno de nosotros. El primer mundo mata al último de hambre, de enfermedad, de indiferencia…



        Título original: The killing fields. Campos de muerte. Campos de asesinos. Como cada uno de nosotros, digiriendo el horror en nuestra mesa, mientras seguimos de reojo la evolución de la prima de riesgo, o rechazamos un filete por demasiado hecho. Todos cómplices de la matanza, cada uno a nuestra manera. Nos complace fingir que somos víctimas, pero si tenemos el valor de situarnos ante el espejo, veremos reflejado al asesino.


Imágenes de la peli, y música de Mike Oldfield, en el enlace.
http://www.youtube.com/watch?v=ZRugzZuqikg&feature=fvwrel
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Tarde o temprano

        Noche de verano ante la pantalla de la 2. Música de Morricone y nostalgia de pantalón corto y cine de pueblo. Otra vez la manivela del recuerdo en formato cine, aunque sea en el salón de casa. Otra vez Cinema Paradiso.

       Esta vez quise fijarme en el proceso de congelación sentimental de Salvatore, durante su elipsis emocional de treinta añitos. No vuelvas, no escribas, no llames, le ordena Fredo. No, no, no. Posiblemente, la única vacuna que se ha inventado ante la implacable lluvia amarilla del otoño, ante el derribo inexorable de todos los edificios donde transitan los sueños de la infancia adobados en sombra.


         
         Posiblemente. El corazón en invierno. No vuelvas, no escribas, no llames. No sientas. No hables. Ventanas que no se abren, citas a las que nadie asiste, cartas devueltas... Palabras que se pierden, como todas. Tarde o temprano, hablar o estar callado es la misma cosa, Alfredo dixit.
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Fetén, Fetén Fetén

          Los segovianos, que al parecer no tienen bastante con la fortuna de serlo y vivir donde viven, albergan además todos los años el Segovia Folk, esa excelente muestra de música popular y de raíces. La semana pasada el folclore más diverso deslizó sus sonidos por San Martín, el teatro Juan Bravo, los jardines de San Juan de los Caballeros, o el Acueducto, entre otros rincones sin importancia.


Música de todos los rincones del mundo, por supuesto con Eliseo Parra como estandarte. Para ilustrarlo, elijo a Fetén Fetén, este sorprendente dúo formado por Diego Galaz y Jorge Arribas, procedentes ambos de La Musgaña, y capaces de tocar instrumentos como el serrucho. Sus ritmos oscilan desde lo tradicional castellano hasta el vals de opereta o el cabaret parisien, con una enriquecedora versatilidad.

Fetén significa algo así como auténtico. Pero también significa excelente. Estos chicos justifican ambas acepciones. Fetén Fetén. Os adjunto enlace, por si queréis oir una muestra.
http://www.fetenfeten.net/index.html
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Fields of Athenry, elogio de los vencidos

               Irlanda, eliminada de la Eurocopa. Su afición, campeona del mundo. En unos días, alguien -quizá Casillas- levantará el trofeo. Algun país -quizás España- se hinchará de patrioterismo futbolero. Eso es fácil, no tiene mérito. Lo meritorio, lo grandioso, lo que redime al deporte, son treinta mil tipos, con la vejiga a reventar de birra, cantando el estribillo de The fields of Athenry durante más de diez minutos, mientras su selección es vapuleada en ese césped polaco, de un verde más hiriente que los prados irlandeses.


               Michael, un joven acosado por la pobreza durante la hambruna de la patata, es deportado a Australia por robar maíz. El burócrata tirano Trevelyan vela con celo por la dieta de los campesinos. El detenido, desde el muro de la prisión, recuerda sus campos de Athenry y habla a su chica de dignidad. La historia resulta familiar, ¿no es cierto? De completa actualidad.


           Esta conmovedora canción, compuesta por Pete St. John en el 70, es el himno folk oficioso de los equipos irlandeses, así como del Celtic escocés, fundado por emigrantes de la miseria vecina.

             Enlazo una página con detalles, la emotiva versión de Dubliners, y las letras original y traducida. También, otra con los minutos finales del partido (no hay que fijarse en el fútbol, sólo en los rostros) y el mucho más emotivo orfeón cervecero de los vencidos. Siempre fueron más interesantes que los vencedores.
http://innisfree1916.wordpress.com/2010/03/17/the-fields-of-athenry/
http://6cero.com/a/Jmartinez/2012/jun/the-field-of-athenry-gdansk/157252

Si me han de rescatar de esta pesadilla, que sean los irlandeses.

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La camisa de Mary Chapin

Esta camisa


puesta a secar en el vaivén del tiempo,
añorante de pieles y sudores,
esta camisa
tendida boca abajo, con las mangas
señalando al olvido,
hoy la miro
ignorando que es acaso mi imagen
pinzada con dos sueños al futuro.




Versos que escribo al socaire de This sirt, aventada por Mary Chapin Carpenter. Ahora que la cantante country resurge, entre cenizas y rosas, del dolor y la ausencia (su nuevo trabajo Ashes and roses está empezando a sonar), ahora me viene a la memoria esa camisa esquivando recuerdos en las hombreras del tiempo. Como cualquiera de las que pueblan nuestros armarios, vaya.

Os dejo la camisa, y la voz de Mary Chapin:


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Un lugar en el mundo

            El que buscamos todos, no al sur de Río Grande, donde Adolfo Aristarain filmó esta película hace ya veinte añitos. Ese lugar, a veces, en un rincón esquinado de nuestro propio costado, del que no hay billete de vuelta.
              Película de perdedores perdidos, parece que Aristarain tuvo que hipotecar su casa para poder rodarla. También le supuso un pleito con la Academia de los Oscar que, no podía ser de otra forma, perdió.



             Se cuenta que en las primeras proyecciones en Madrid, los asistentes veían íntegros los créditos finales y no eran capaces de levantarse de las butacas hasta minutos después de encenderse las luces. Sería que habían encontrado su lugar en el mundo. 

          Poesía visual no buscada, de esa que te asalta sin avisar. Por si alguien quiere cotillearla de nuevo, aquí la dejo. En su lugar.
http://www.youtube.com/watch?v=uJIx3OaWCmk
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Suficiente, ya tengo suficiente

           Simeón, acunando al pequeño, comenta que ya le es suficiente con tener en sus brazos la esperanza... Bach, cantata 82, esto es todo. Ich habe genug (ya tengo suficiente)... Es el primer aria, tras un pequeño recitativo. Una música capaz de conmover las piedras de una cantera.

       ¡Cuántas veces nos parece que nada es suficiente! Propongo el título de la cantata como eslogan vital, ya tengo suficiente. Y propongo escuchar este aria escalofriante en silencio absoluto, a solas si puede ser, y con el volumen al máximo. Quien sobreviva, lo agradecerá. Digamos que habrá aprendido que ya tiene suficiente.
          Elijo, aunque hay para dar y tomar, la versión de Klaus Mertens. Va.
http://www.youtube.com/watch?v=bIie1IBjGxo

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La extraña fruta de Billie

         Los árboles sureños dan extrañas frutas, decía este poema de Abel Meeropol (o Lewis Allan, como él firmaba), un judío comunista que -una noche del 39, en el Society de Nueva York- lo puso en la garganta triste de Billie Holiday. Es posible que sólo esta niña de un gueto de Baltimore, prostituta antes que fraile de voces, rehén de la heroína y el alcohol, es posible que sólo Billie pudiera transmitir al mundo la imagen sonora de esos negros balanceándose por las ramas del racismo. Doce versos que cuelgo, en original y traducidos, junto a algunas versiones vocales:

http://megustaestamusica.wordpress.com/2009/07/21/strange-fruit-billie-holiday/

http://www.youtube.com/results?hl=es&cp=9&gs_id=y&xhr=t&q=strange+fruit&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.,cf.osb&biw=1280&bih=657&wrapid=tljp1337578216590016&um=1&ie=UTF-8&sa=N&tab=w1&gl=ES
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Érase una vez (quizás un cuento)

                 Erase una vez. En América, claro. Los años 20, en un cuidado escenario de grandezas y miserias. Momento de hablar de esta película, cuatro horas de atmósfera inolvidable. Momento de reivindicar a ese restaurador del cine llamado Sergio Leone. Profesional a veces arrinconado por su "comercial" y alimenticia -nunca mejor dicho- cocción del western en forma de pasta italiana.

                Erase una vez un individuo que colaboró con Zinneman, De Sica y Aldrich, entre otros. Que aprendió cocina en las recetas de John Ford. Que rehogó el arte en su otro gran plato Érase una vez (in the West). Luego, lo cocinó a fuego lento en esta historia de gánsters entreguerras. ¿O debo decir historia de amistades? ¿O debo decir historia sobre el paso del tiempo? ¿O debo decir historia sobre desolados sueños en flashback?





                 Excelente obra que acabaría por llevarle a la muerte, tras sus pleitos con la Warner a causa del montaje y exhibición recortada. Supo hacer cine más allá de etiquetas, supo localizarlo en exteriores como Tabernas y la Demanda. Supo visionar la soledad y la nostalgia. Sergio Leone, érase una vez en América. El cuento, érase otra vez, de la vida.
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             "Todas las mañanas del mundo son caminos sin retorno". Esta frase ya advierte sobre el ADN de la película así intitulada (Todas las mañanas del mundo), donde nos adentramos en la viola, y en su maestro más innovador, Saint Colombe.


          Para amantes del barroco en general, y de la viola en particular. Espectacular banda sonora con Jordi Savall al frente. Un claroscuro, nunca mejor dicho, de la vida, donde el misterioso músico encierra su mundo en una cabaña, tras la muerte de su esposa. Uno de los pocos humanos capaz de rechazar a Luis XIV. Emociones y, sobre todo, músicas. Dejo una secuencia...

http://www.youtube.com/watch?v=RfArmZ_R8bc

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El árbol de las sensaciones


          Le cuesta a Terrence Mallick hacer películas, apenas seis en más de 40 años. Por algo será. El árbol de la vida, venerada y repudiada a partes iguales, destila poesía en imágenes.



         Un fulgor cósmico-fílmico que puede resultar pretencioso o cautivador, según se quiera mirar. Pero que, en todo caso, da cobijo a un ejercicio de reflexión sobre la vida y sus esquirlas. Sin concesiones al espectador de palomitas. Cine de las sensaciones, aria al viento, verso sentado en el bordillo.



       Película para poetas en color, para poetas de gran y pequeño angular, para poetas hacia dentro. Película para ver, sufrir, gozar, tal vez sentir.

http://www.youtube.com/watch?v=aQM11N1gmxg

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Donovan, folk, poesía y más...

           Este inicial dylan escocés, que viajó del folk a la música oriental, navegó por el jazz, el pop, la psicodelia, lo rockero y hasta los ritmos infantiles. Siempre estuvo atraído por la poesía. Del flower power al budismo zen, su extraordinaria capacidad creadora le hacen un compositor difícil de clasificar. Amigo de McCartney, Dylan (en la imagen) y Carole King, entre otros, experimentador de músicas y poemas, personaje arriba y abajo del escenario.

        Aquí una recopilación de su obra, con 73 temas a elegir.

http://www.youtube.com/watch?v=pYt9LJOrLak&feature=BFa&list=AL94UKMTqg-9ATr1eFxeTlXV7WLYRWUy5C
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Hablemos de la soledad


La soledad. La incomunicación. La muerte. La vida al trasluz de las vidas. La turbación de los silencios. Los sentimientos en polivisión. El instante que cambia todos los instantes. La mirada alrededor cuando ya nada se espera.

Hablamos de "La soledad", la peli de Jaime Rosales. Ahora que va a estrenar en Cannes "Sueño y silencio", es el momento de recuperar esta magistral disección del alma humana en varios, muy varios, pero que muy varios, planos.



Bueno, no conozco a nadie a quien le haya resultado indiferente. Pocas veces una película española ha generado tanta controversia. La genialidad es lo que tiene. De paso, nos vemos los otros largos de Rosales, "Las horas del día" y "Tiro en la cabeza"


http://www.youtube.com/watch?v=bCwSAZ4gxgE

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La melancolía que nos viene

          Una vez más, autodescatalogado de su propio Dogma, LARS VON TRIER hace una ejercicio visual de vaciado. Audaz y sutil al tiempo, las dos horas largas de MELANCHOLIA dejan una atormentada visión del final de cada una de nuestras posibles existencias. Hipnótica, deliberadamente confusa, con toda la discutible parafernalia del danés. Pero excitante.


          Aquí dejo el comienzo. Con el muy wagneriano preludio de Tristán e Isolda.
http://www.youtube.com/watch?v=KER_IcHQYcA&feature=related

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JIM MORRISON, la muerte sonriendo
              
         Mochilero por paraísos artificiales, coeficiente intelectual fuera de rango, voz de espaldas al público, miembro del club de los 27-D.E.P. junto a Joplin, Hendrix, Brian Jones o Cobain, el alma de The Doors (sobre su cuerpo aún planean incógnitas) fue el más "literario" de los grandes rockeros. Lector enfermizo de Nietzche, fueron Rimbaud y Baudelaire, con toda esa peña, quienes marcaron su pasión por la poesía, anterior incluso a la musical.

      Dos zarpazos del rey lagarto:

Hay cosas conocidas y desconocidas, y en medio están las puertas (the doors...of course)

Le toqué la pierna, y la muerte sonrió.

En An American Prayer, sus letras más personales y proféticas:
http://www.youtube.com/watch?v=IhaeaB91nvw
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De corazones hibernados

              Penúltima peli del muy "francés" cineasta Claude Sautet. Un coeur en hiver reúne todos los ingredientes para indigestar a los francofilmfóbicos... Guión simple, triángulo amoroso (o casi), intimismo, economía gestual, miradas con violín... Y , sin embargo, que lúcida aventura por el túnel de los sentimientos, hibernados o no. La sutilidad de Sautet para exprimir los gestos de Daniel Auteil es puro arte visual. La bunkerización de las emociones hecha poesía en plano corto.


              Vale, lo confieso, a mí sí me gusta el cine francés. Nadie es perfecto.



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Bach   BWV 244

               Torpe de mí... Enredado en esquivar chubascos o almacenar torrijas de vino blanco, a poco se me pasa la Semana Santa sin escuchar La Pasión según San Mateo... Casi tres horas de recitativos, arias y corales para disfrute de creyentes, agnósticos, ferrallistas de las emociones, conserjes de imposibles y mediopensionistas en general. Otro día hablaremos de la de San Juan, a-pasión-ados...


         Dos muestras. El escalofriante Erbarme dich, mein Gott, en una grabación de 1962, con Christa Ludwig, y el casi final Mache dich, mein Herze, rein donde el bajo finlandés Matti Salminen pone voz (y si existe el alma, pone alma) a José de Arimatea. Se comprende por qué cuenta una de las hijas del viejo peluca que veía llorar a su padre mientras lo componía.

http://www.youtube.com/watch?v=x2XUaCWezRY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=N9OSgNgrjXE
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Quiéreme, si te atreves...

          ¿Te atreves? Me atrevo... Potente, original guión de Yann Samuell, en la que fue su primera película. Delirante escáner de las relaciones, historia de amor sin besos , nouvelle arquitectura de pareja desde el derribo de túyyos... "Calla y tápate los oídos muy fuerte....¿Oyes lo mucho que te quiero?"

       Lúcida, cautivadora, a veces cruel, a caballo entre el autismo emocional y una opaca ternura... Para recrearse en el abismo de esa pareja peculiar... Y -lo advierto- con un final que te clava en la silla.
            Ponte a verla, si te atreves.

http://www.filmaffinity.com/es/film459974.html
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TONINO GUERRA, el guionista poeta

A principios de 2002, nos dejó Tonino Guerra. Este vitalista hombre de la boina, superviviente de un campo de concentración nazi, novelista y poeta, fue el autor de guiones para Antonioni, Fellini, Bellocchio, los Taviani y Angelopoulos, entre otros. Tonterías como Blowup, Amarcord o La eternidad y un día no existirían sin él.

Incluyo esta "poética" definición de lo que para Guerra era la felicidad:

La mariposa

Contento, lo que se dice contento,

he estado muchas veces en la vida,

pero más que ninguna cuando

me liberaron en Alemania,

que me quedé mirando una mariposa

sin ganas de comérmela.


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DIDO, en el recuerdo

           Remember me, but ah! forget my fate... Recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino.... El estremecedor lamento de Dido ante la partida de Eneas, poco antes de morir, uno de los momentos de más intensidad de todo el barroco vocal británico.

          Para ese recuerdo que se niega a cicatrizar...
El pasado reptando por los oídos... Es lo que son capaces de conseguir un tal Purcell y la fastuosa Jessye Norman:

http://www.youtube.com/watch?v=Ynm3shAVklU
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THE WIRE, 52 minutos que redimen la tele

              Las tripas, los menudillos del submundo de Baltimore donde polis y delincuentes no se pasan por el tamiz de los buenos/malos, sino que se amalgaman en sus glorias y -sobre todo- en sus miserias. Cada encuadre, cada ejercicio de iluminación, cada movimiento de cámara, es puro cine.
            Ah, y las citas al inicio de cada capítulo... Quien aún no la haya visto, que la pille donde pueda. The wire justificaría la presencia del aparato de televisión en el salón.
          Y, por supuesto la música. Os dejo un enlace donde se pueden escuchar las cinco versiones del Way down in the hole, que son la sintonía. El propio Tom Waits ejecuta una de ellas con esa desgarrada voz donde modula gospel, blues y jazz. Otro motivo más para engancharse.

http://labateriafina.blogspot.com.es/2008/05/way-down-in-hole.html

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Un sur a recuperar

                   El de la película de Víctor Erice. Un pasado huido, una esquirla de añoranza entre las soledades, un pertinaz anhelo en lo más profundo de las costillas... Película maestra, relato impresionista horadando emociones... Se puede, se debe, ver dos, catorce, cien veces... Siempre sugiere algo nuevo.
             ¿Habría sido mejor si el director la hubiese concluido según su guión? Quién sabe. Dejo la entrevista que le realizaron, donde cuenta sus avatares con Querejeta, y el final previsto que no se llegó a grabar. En este caso, no hubo retorno al sur...
http://video.google.com/videoplay?docid=-3492912241816805481#

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Folk, esa mirada hacia dentro

                                           Música de las raíces.
Radio 3 -no podía ser de otra forma- dedica dos horas semanales, eso sí, a horas imtempestivas, al folk, básicamente hispano, con algún toque de mestizaje.
Altamente recomendable, majos.
Se puede oír en los podcast de RNE:

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Like a rolling stone, i like Rolling Stones

¿No es bueno estar vivos? No se puede decir que nunca lo intentamos... (Rolling Stones, Angie)
-Sola, como una completa desconocida, como una piedra rodante…(Dylan, Like a rolling stone)

-Cada noche me invento, todavía me emborracho, tan joven y tan viejo, like a…(Sabina, Tan joven y tan viejo)


-No te afanes, alma mía, por una vida inmortal, sino que apura el recurso por hacer (Píndaro, citado en El mito de Sísifo, Camus)
La versión de los Stones de la canción de Dylan...
http://www.youtube.com/watch?v=tuGjBNSRi1c

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AZUL, de Kieslowski

En un día cualquiera, como éste, ...puede resultar terapéutico recordar de nuevo esta obra maestra, parte de una mirada tricolor, dirigida por el excelente cineasta polaco-francés...

Aquí, uno de los muchos enlaces publicados al respecto...http://www.miradadeulises.com/2008/11/azul-en-busca-de-la-libertad-perdida/

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Lascia ch'io pianga, otra vez

            La versión quizá mas conseguida de este aria escalofriante del Rinaldo, de Haendel. Fabricada en laboratorio fundiendo las voces de un contratenor y una soprano, en un intento de recrear el registro del castratti Farinelli, en la película sobre su figura.


             Volumen alto. Y a disfrutar.
http://www.youtube.com/watch?v=-_x6foTBmUs